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世界名画,你了解多少? ——达·芬奇

发表时间:2019-11-25 12:03:00  来源:野望文存  浏览:次   【】【】【

美术史上那些著名的大师及他们传世的经典佳作,

永远是后来者学习和研究的典范。

因为这些大师也无一不是在追随经典,

向前辈学习的过程中,提升自己的眼界,

在前辈们的妙笔生花中潜移默化的成长,

并最终建立起自己的风格和地位,

成为后人学习的大师。


向大师学习,

站在巨人的肩膀上,

能更好的成就自己的艺术理想!

1

作  者:列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 

Leonardo Di Ser Piero Da Vinci(意大利文原名)

作品名称:自画像- self portrait

作品尺寸:21.3x33.3厘米

作品年代:1512作品材质:红铅粉笔


2

作品名称: 蒙娜丽莎   mona lisa

作品别名:焦空达,焦孔达
作品尺寸:53x77厘米
作品年代:1503-1505
作品材质:杨木板油画
现收藏于:法国卢浮宫博物馆


油画《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达芬奇的最高艺术成就,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。  

达芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。在构图上,达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯,代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外,蒙娜丽莎的一双手,柔嫩、精确、丰满,展示了她的温柔,及身份和阶级地位,显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了,背景曾有蓝天。据考证,蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴,9%的厌恶,6%的恐惧,2%的愤怒。

画家达芬奇的肖像油画杰作《蒙娜丽莎》完成于佛罗伦萨城。如果说《最后的晚餐》是对正义的歌颂,那么《蒙娜丽莎》则是对美的赞叹。16世纪的美术史家瓦萨里在他的书中写道:“达芬奇创作这幅油画的动机,是由于蒙娜丽莎长得非常漂亮。为了在画中充分表现出来,他做了周密的准备之后才着手创作……无论谁看到芬奇这幅画的时候都会发现一种永恒的微笑呈现在夫人的脸上,它似乎不是出自人类之手,而是上帝创造的真正艺术。所以这幅画被公认为胜过以前所有肖像画的世界杰作,也绝非偶然。”

蒙娜丽莎是当时佛罗伦萨一位商人佐贡达的妻子。画家达芬奇在创作时为了使模特儿保持良好的精神状态,甚至请了乐师为她演奏助兴。画家是这样来处理这幅肖像的:在呈三角形的构图中蒙娜丽莎的头和双手既优美又突出。她似乎坐在露台上,远远望去,背景上有一片起伏的山峦和河流,空旷而深远。柔和的光线笼罩着整个画面,蒙娜丽莎的形影自然交融,轮廓线常常消失在若有若无之间,同早期文艺复兴画法已大不相同。

长久以来人们讨论最多的还是蒙娜丽莎的笑容。在她那张极为生动的脸上,一双明澈的眼睛默默地注视着观众,她似乎若有所思,嘴角透露出一丝淡淡的微笑,这微笑中又依稀露出哀愁。正是这若隐若现的微笑增添了作品的魅力,所以人们称之为“神秘的微笑”、  “永恒的微笑”。人们认为这一微笑之所以神秘,是由于达芬奇在这个个性非常具体的人物身上,创造出理想化的美的典型,要让瞬间即逝的表情成为一种永恒的象征,这种矛盾的结合便产生了出神入画的奇特效果。画家对人物心理和情感恰如其分的描写,给人留下难以忘怀的深刻印象。

达芬奇在运用明暗法和“薄雾法”处理画面有许多独到之处。蒙娜·丽莎的眼角、鼻下、嘴角和双手都蒙上了一层淡淡的明暗,形体显得结实而有立体感。头和双手不但造型优美,而且解剖结构准确,刻画细致入微。画面背景的处理也十分奇特,两边远景并不在同一视平线上,左边视平线显得较高,而右边视平线则比较低,这样的处理更增加了作品的神秘感。

达芬奇通过仔细的观察和精心的制作,刻画出一位普通意大利妇女的真实形象。“蒙娜·丽莎”既表达了作者对人的歌颂和赞美,又集中体现了盛期文艺复兴人们的审美理想和艺术成就,因此,它成为一幅名扬天下的艺术杰作。


作品名称:最后的晚餐  the last supper before restoration

作品尺寸:880x460 厘米
作品年代:1498
作品材质:壁画
现收藏于:格雷契修道院食堂


壁画《最后的晚餐》无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画,是画家达芬奇直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒,形成四组,耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手,示意门徒中有人出卖了他。该画尺寸是421X903厘米,画面利用透视原理,使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使图做得比正常就餐的距离更近,并且分成四组,在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间,他摊开双手镇定自若,和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景,明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外,仿佛看穿了世间的一切炎凉。  

在众多同类题材的绘画作品里,达芬奇的作品《最后的晚餐》被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,达芬奇将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻画得精细入微、惟妙惟肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充。

《最后的晚餐》题材取自圣经故事。犹大向罗马人告密,耶稣在即将被捕前,与十二门徒共进晚餐,席间耶稣镇定地说出了有人出卖他的消息,达芬奇此作就是耶稣说出这一句话时的情景。画家通过各种手法,生动地刻画了耶稣的沉静、安详,以及十二门徒各自不同的姿态、表情。此作传达出丰富的心理内容。达芬奇改变了文艺复兴早期对这一题材的传统处理方式,图中人物列为一排,以耶稣为中心,十二门徒分为四组,对称分列两侧,形成了一个穿插变化又相互统一的整体。达芬奇成功地运用构图和用光等手段,塑造了一系列个性鲜明的人物形象。


3

作品名称:抱银鼠的女子Lady with an Ermine

作品尺寸:40.3x54.8厘米

作品年代:1483-1490

作品材质:木板油画

现收藏于:波兰克拉科夫恰尔托雷斯基博物馆


《抱银鼠的女子》是一幅精美肖像画,描绘了气质高贵沈静的切奇利娅·加莱拉尼,她是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇,备受宠幸。后来,这幅作品经一位无名氏重新敷色,这种不够亲切的气氛就更加强烈了。无论如何,切奇莉亚美丽的面孔和双手,显然出于大师笔下。而且,达芬奇为毛色光润、咄咄逼人的银鼠注入了生气。明暗的处理,是这幅肖像画中最引人注目之处,光线和阴影衬托出切奇利娅优雅的头颅和柔美的面孔。达芬奇频频从理论上阐述照亮室内人脸的光线来源问题,且一反光亮和阴影强烈对比法,他使用明暗法﹝光亮和阴形的均衡﹞创造间接照明的幻觉。关于《抱银鼠的女子》这幅画的相关记录,一直到18世纪后半叶才被人发现。从几个方面来看,可以判断这是达·芬奇为他在米兰时期的赞助人洛多维科·史佛萨的情妇之—一切奇莉亚·加勒拉妮绘制的。

史怫萨的家徽是用白貂作为象征,而这种动物在希腊语的发音是“加蓝”,与切奇莉亚的姓氏“加勒拉妮”十分接近。这种运用谐音的手法,经常可以在文艺复兴时期的艺术作品中看到。

无论如何,达·芬奇确实画过一幅切奇利娅的肖像画,因为在史佛萨雇用的宫廷诗人伯纳多·贝林两欧尼(1492年去世)所编的诗集中就有记载。画中人物切奇利娅自己也曾存1498年的书信中提到有关这幅画的事,她描述这幅肖像是作于她“还不够成熟”的时期。画中的人物略微侧坐,从解剖学原理上看比例完全正确,人物的面部表情温顺柔和,沐浴在光线之中。切奇莉亚生于1465年左右,她以美貌与丰富的内涵而闻名。达·芬奇的画笔非常生动地抓住她这两样迷人之处,同时又呈现一种动态,完美地平衡画而。她的脸向着右方,似乎是听见什么人说话而侧身。达·芬奇不但用这个姿势表现出动态,而且成功地让画巾女了流露出如雕像般高贵、端庄的气质。列昂纳多用她膝上的白貂暗示了人物的身份,因为白貂是尊贵的象征。希腊语中白貂是“galee”,这个词暗指她的名字切奇丽娅-加莱拉尼(Cecilia Gallerani)。

《抱银鼠的女子》是达·芬奇杰出的肖像画作品,体现了深厚的写实功力。这幅精美的肖像画,画面人物气质高贵沉静,女郎怀抱的白貂毛色光润,栩栩如生,充满朝气,充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧,而形态逼真的白貂使画面生动了起来。这幅肖像画最引人注目的地方是明暗的处理,画家运用光线和阴影衬托出切奇莉亚优雅的头颅和柔美的脸庞。形神兼备,使得这幅肖像画得到世人的推崇。

4

作品名称:岩间圣母The Virgin of the Rocks

作品尺寸:189.5x129厘米
作品年代:1503-1506
作品材质:板面油画


一般题材的《岩间圣母》都按照教会意愿把圣母画在先知环绕之中,这是圣方救济会赞助者用来提升圣母玛利亚清白信念的一般性宗教构图方式。而达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品,画面上的一切无不体现着新意:情节的艺术化处理;不寻常的难以捉摸的风景;人物与环境的有机融合;光的巧妙利用;高尚的美所辉照出的人物形象。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督,达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间,圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上,渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意,整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情,祥和而且典雅。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围,但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨别出来,尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩,人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下,具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出,竟然能辨别出鸢尾花,银莲花,紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前,年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰,他的另一只手则向儿子伸过去,天使面向着观众,把他们引向画中,用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义,这一组任务是按金字塔的构图原理组建安排的,塔顶是圣母的头,侧边是他伸出的双手,底角是天使和婴儿。列奥那多把结构看作打开作品意图的钥匙,这很大程度上形成了盛期文艺复兴的古典主义金字塔式的人物构图。在达芬奇构图稳定的和谐画面上,风景不再是简单的背景,逼真的景物环绕于人物四周,自然的和人物融为一体,这种真实感赋予画面一种别具一格的生动。制群像在当时遵循着两条普遍原则:一是画中的人物之间应该有某种交流;二是观者与被画者也应该有某种交流。卢浮宫藏品两者兼备,伦敦的藏画却只具其一。

油画《岩间圣母》是达·芬奇绘画艺术走向成熟的标志。作品内容取自圣经故事,描绘圣母子在约旦河边遇到施洗约翰的场面。处于画幅三角形构图中心的是圣母,她把左边的圣约翰介绍给圣子耶稣,耶稣旁边是一位美丽的天使。四个人物由不同的动态和手势暗示出相互间的关系,表现了保护、指示、祝福等涵义。耶稣和施洗约翰处理成幼儿形象,这是前所未有的大胆尝试。这幅画最独特的是画家成功地运用了薄雾法来表现空气透视和人物形象,在昏暗的岩石背景中,人物似乎被一层雾样的潮湿空气包围着,他们从深色背景中浮现出来。整个画面洋溢着一种幽静而温馨的诗意。

5

作品名称:维特鲁威人比例研究

vitruvian man, study of proportions, from vitruviuss de architectura

作品尺寸:24.5x34.3厘米
作品年代:1492
作品材质:钢笔和墨水
现收藏于:威尼斯学院美术馆

《维特鲁威人比例研究》是许多人熟悉的一幅画:一个裸体的健壮中年男子,两臂微斜上举,两腿叉开,以他的头、足和手指各为端点,正好外接一个圆形。同时在画中清楚可见叠着另一幅图像:男子两臂平伸站立,以他的头、足和手指各为端点,正好外接一个正方形。这就是名画《维特鲁威人》(HomoVitruvianus),出自文艺复兴艺术巨匠达芬奇之手,画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威(Vitruvii)的名字取的,该建筑家在他的著作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。

关于维特鲁威的生平、建筑活动,因史料所限已难考证。仅从《建筑十书》的零星记载知道,维特鲁威出身富有家庭,受过良好的文化和工程技术方面的教育,熟悉希腊语,能直接阅读有关文献。维特鲁威的学识渊博,通晓建筑、市政、机械和军工等项技术,也钻研过几何学、物理学、天文学、哲学、历史、美学、音乐等方面的知识。维特鲁威先后为两代统治者恺撒和奥古斯都服务过,任建筑师和工程师,因建筑著作而受到嘉奖。“人体中自然的中心点是肚脐。因为如果人把手脚张开,作仰卧姿势,然后以他的肚脐为中心用圆规画出一个圆,那么他的手指和脚趾就会与圆周接触。不仅可以在人体中这样地画出圆形,而且可以在人体中画出方形。即如果由脚底量到头顶,并把这一量度移到张开的两手,那么就会发现高和宽相等,恰似平面上用直尺确定方形一样。” 

“维特鲁威人”也是达芬奇以比例最精准的男性为蓝本,因此后世也常以“完美比例”来形容当中的男性。

6

作品名称:少女头像female head

作品尺寸:21x27厘米
作品年代:1508
作品材质:木板画


作品来自帕尔马画家加埃塔诺•卡拉尼的私人收藏,由他的儿子在1839年卖给了帕尔马的美术学院,后更名国立美术馆。这是一幅未完成的木板画。画中,头部倾斜、脸上带着神秘微笑的少女云发蓬松(“乱发”),发丝清晰简约,它们纠结成一条条的卷发,逃脱了只是隐约可见的束发丝带的捆绑,披散到肩上。有关画中人物,众说纷纭。有人认为她表现了圣母,或希腊神话中的勒达、或是为现藏伦敦国立美术馆的第二幅“岩石圣母”创作的草图。但是,评论家几乎一致公认这是列奥纳多的作品。根据他们的鉴定,这幅作品来自极其仰慕大师盛名的曼托瓦侯爵夫人伊萨贝拉•德斯特的丰富的收藏,它也许就是1627年编辑的贡扎伽家族财产清单中提到的“一个乱发女性的头部绘画……,列奥纳多•达•芬奇的草稿作品”。从风格角度而言,以前,“乱发”被与艺术家年轻时代创作的其他未完成作品相比较,例如乌菲齐收藏的“博士来拜”和1480年至1482年间创作的、今藏梵蒂冈博物馆的“圣哲罗姆”。最近的研究强调了她与伦敦的第二幅“岩石圣母”中天使头像的相似性,这幅圣母也许是在十五世纪九十年代初着手创作,在1506至1508年完成的,而一般来说,帕尔马的木板画也被认为是出自同一时期。因为它的画技和材料与其他绘画不同,并且虽然单色,也与作为草图的素描或底稿不同,它构成了大师绘画素描全部作品中独一无二的特例。画中,我们能看到一些列奥纳多用文字阐述的观念的形象演示,如表现头发的方法。根据这位大师的观点,它们的画法应该能给人这种印象,似乎它们“在与吹拂着年轻脸庞的假风戏谑,不断轻轻飘动,衬托出她们的脸庞”(梵蒂冈藏达•芬奇的《乌尔比诺手稿》,拉丁语1270)。这幅作品绘制于1508年前后,是达·芬奇一幅未完成的木板画。画中,少女的头部倾斜、微微颔首,脸上带着淡淡的微笑,美目低垂,云发蓬松,发丝清晰简约,结成一条条的卷发,披散到肩上。整个形象既表现出了少女纯真和恬静的一面,又透露出了其青春活力、动感飞扬的另一面。这幅作品篇幅并不大,只有20余厘米见方,但却深见大师的功力。该作品是单色,其画技和材料也与达·芬奇其他作为草图的底稿不同,是这位大师全部素描作品中独一无二的特例。Parma, Galleria Nazionale - 帕尔马,国立美术馆


7

作品名称:圣母子与圣安娜the virgin and child with st anne

作品尺寸:130x168厘米

作品年代:1510
作品材质:charcoal with white chalk heig


在油画作品《圣母子与圣安娜》中,画家达芬奇让圣母马利亚坐在她母亲的膝上,外祖母圣安娜虽然也很年轻,但仍感到圣母的身躯太大些,她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容,是对着眼前那个顽皮的小外孙--耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来,想要骑在羔羊身上)而发出的,马利亚倒象坐在安乐椅上那样,毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的,人物尽管处理得紧凑,却并不显得自然生动。  

圣家族这一类圣经题材,在宗教壁画中是最常用的,因人而异,画家们各有自己的表现特色。达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安娜这一形象上,尤其是精心刻绘她的脸部表情。尽管这里再一次暴露出他的女性的微笑公式,为达芬奇的现实主义的美学最高理想,他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。研究人员表示,这一发现具有非常的意义,因为极少有画家在画的背面作画,而对达芬奇的作品来说更是绝无仅有。他们表示将继续对该画进行研究,以判断这三幅素描是否真的出自达芬奇之手。


8

作品名称:拈花圣母 - madonna and child with a pomegranate

作品尺寸:12.8x15.7 厘米
作品年代:1472-1476
作品材质:油画 


《拈花圣母》中表现出的人性感染力更是超越了当时的同主题作品。圣母孩童般纯真的笑容和圣婴专注抚弄花朵的神情是如此生动,令人怜爱。圣母穿着暗蓝色的衣服,外加红袖红裙,身披金色的斗篷,胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里,她一手扶着他,一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说,粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水,眼泪掉下的地方就长出康乃馨,因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征 。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血 ,似乎预示了圣婴以后的遭遇。此画前景中摆着一瓶花,圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品 ,画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的 、北欧人式的脸,金黄色的卷发 ,双眼望着下方 。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景,那是一排崎岖不平,犬牙交错的山峰。和《康乃馨圣母》相较,这幅画更具有达芬奇成熟时期的特征,特别是达芬奇逐渐舍弃坚硬的轮廓线,使人物的外形逐渐溶入背景,纯粹以明暗来定义物体与空间的关系 ,同时明暗的渐层过渡十分细腻  ,可见此时达芬奇已能善用“晕涂法”的效果。对于人物以外的其它描写也简化许多,省略了不必要的细节,以强化人物主题的重要性 。这都是对后世有决定性影响的绘画观念和技法。前述的《康乃馨圣母》画在木板上 ,而这幅《拈花圣母》是画在画布上的,帆布本身可能也促成了新的明暗画法来制造立体效果 。以保存状况而言 ,这幅画有些部分被画的太厚 ,有些地方色层已经剥落。



9

作品名称:音乐家肖像 - portrait of a musician

作品尺寸:31x43 厘米

作品年代:1490
作品材质:油画
现收藏于:安波罗修美术馆


艺术巨匠达芬奇的传世作品中关于男士的肖像画是非常稀少的,《音乐家肖像》这件作品是其中非常具有代表性的一幅。作品中的这名音乐家名叫法朗基诺·加甫里奥,大概是服务于路德维科宫廷的一名青年乐师(关于作品中男主角的身份曾经引起各种猜测,甚至有人认为他是一位米兰的统治者,不过音乐史学家通过他颇具艺术家气质的面孔、修长的手指及手中的乐谱,推断他是一名音乐家)。他有着一头漂亮的卷发,神情严肃,手里拿着乐谱。由于达·芬奇没有完成这幅肖像画,所以他也没在画中签名。




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责任编辑:许战泉